Las Formas Musicales Del Romanticismo (Lunes Cultural)

INTRODUCCIÓN

            El lenguaje pianístico (la gran innovación instrumental que se desenvuelve plenamente en el romanticismo, junto al gran lenguaje sinfónico) ya estaba casi plenamente afirmado en las últimas décadas del siglo XVIII, como se evidencia en las obras de Johann Christian Bach, Carl Philipp Emanuel Bach, Muzio Clementi y, por supuesto, Mozart y Beethoven.

Con esto quiero decir que el estilo pianístico de los compositores fue desarrollándose durante el S. XVIII y culminando en el S. XIX, en torno a las nuevas posibilidades musicales y tímbricas de este instrumento, en paralelo a las mejoras técnicas que iban sucediéndose por parte de los afamados fabricantes de esa época (Stein, Streicher…) que ampliaron el abanico de su capacidad sonora.

Explico esto a modo de introducción por que el piano fue el gran instrumento del Romanticismo, en torno al cual nacieron y se acuñaron las nuevas formas musicales, al tiempo que se rescataron otras antiguas y ya en desuso, dándoles una nueva vida. Definimos la forma musical como el esquema predefinido de la estructura de una pieza musical. Algunas formas provienen del Renacimiento, el Barroco o el Clasicismo, habiendo sufrido la debida evolución y adaptación a los nuevos criterios estilísticos romanticistas, mientras que otras son originarias de esta época. También se distinguen en base a la instrumentación (Cuarteto de Cuerda, Trío para violín, violonchelo y piano…etc.) para la que están compuestas o en base al género musical concreto al que hacen referencia (Ópera, Concierto…etc.)

Podemos distinguir dos tipos principales de piezas:

1) Géneros “clásicos” fuertemente formalizados (sonata y tema con variaciones).

2) Piezas breves, con formas más libres de carácter seccional, que se asociaban con la improvisación.

A partir de inicios del siglo XIX, las pequeñas piezas comenzaron a adquirir un creciente protagonismo. Se llamaban piezas “de carácter”, aunque el uso de esta expresión convivió con otras, tales como “fantasía”, “rapsodia” o “pieza lírica”. El predominio de este tipo de obras surgió como resultado del cruce entre:

  • Las obras para piano románticas, íntimamente ligadas con el virtuosismo.
  • La nueva aproximación a la composición instrumental caracterizada por la búsqueda de nuevas texturas, colores y resonancias. La escucha centrada en el efecto del puro sonido.

LAS PIEZAS DE CARÁCTER O PEQUEÑAS PIEZAS PARA PIANO

Obra breve, de estructura libre y naturaleza “poética”. Suelen tener secciones en bloque tipo ABA o AB, muchas veces con repeticiones. Las más breves se caracterizan por la ausencia de repeticiones exactas.

Unas están explícitamente basadas en fuentes literarias y otras apenas sugieren su contenido poético a través de sus títulos. Destacan las Bagatelas de Beethoven y los Momentos musicales de Schubert, las Noveletas de Schumann, las Consolaciones de Liszt, Piezas líricas de Grieg…con un carácter – fingidamente – espontáneo e improvisatorio.

Son de una gran variedad como las que tenemos a continuación:

La Bagatela

El término corresponde a una pieza de dimensiones breves y carácter ligero. Aparece por primera vez en las obras de Couperin (barroco). La forma musical utilizada es la de Lied ternario (es decir, forma A-B-A), con una Coda final. Una coda es un término que se refiere a la sección cadencial final de una pieza.

Los ejemplos más frecuentes de bagatelas han sido escritos para piano. Hay que destacar las 7 Bagatelas op.33, 11 Bagatelas op.119 y 6 Bagatelas op.126 de Beethoven.

Barcarola: Pieza instrumental (o vocal) que sugiere el balanceo de una embarcación sobre el agua a través del uso de determinados compases (6/8 o 12/8) y de un tempo moderado.

Una barcarola (del italiano barcarola) es una canción folclórica interpretada por los gondoleros venecianos, o bien una obra musical escrita imitando ese estilo. En la música clásica europea las dos más famosas son la de la ópera Los cuentos de Hoffmann de Jacques Offenbach y la Barcarola en fa sostenido mayor, para piano, pp. 60 de Frédéric Chopin. Se caracteriza por un ritmo reminiscente del remar del gondolero, casi siempre en un tempo moderato y en el compas de 6/8 compás de 6/8. Si bien, las barcarolas más famosas son del periodo romántico, el género era lo suficientemente conocido en el siglo XVIII. Entre otras barcarolas famosas están las tres canciones Góndola veneciana de las Canciones sin palabras, op. 19, op. 30 y op. 62 de Félix Mendelssohn y las menos conocidas pero muy bellas también de Gabriel Fauré ( compositor “Pre-impresionista” o “Post-romántico”).

Capricho: Desde los caprichos de Locatelli y después Paganini, el género se relaciona con un tipo de escritura rápida y brillante, exhibiendo el dominio técnico del instrumento.

Estudio: Género típico del siglo XIX, relacionado con el progreso en la fabricación instrumental (particularmente del piano), con el prestigio de los virtuosos y con el avance de la enseñanza musical. Estas piezas perseguían un objetivo didáctico, de perfeccionamiento de mecanismo digital (articulación, independencia de los dedos y de las manos), proponiendo una única dificultad por pieza. Destacan los de Clementi, Cramer, Czerny y Liszt. Además, se escribieron numerosos estudios que pretendían desarrollar el sentimiento musical poniendo el virtuosismo al servicio de la imaginación: son los “estudios característicos”, que exploran el “touché”, sonoridades, armonías y modulaciones inesperadas… Chopin, Liszt y Schumann son autores de volúmenes de estudios que son modelos de este tipo de obras, al conjugar trabajo, técnica y poesía.

Humoresca: pieza pianística que expresa los cambios de “humor” del músico. Se presenta como una sucesión de estados de ánimo contrastantes.

Impromptu: este título se refiere a su relación con la improvisación; por lo menos, aparentan espontaneidad, presentando normalmente una estructura muy variable. El impromptu es una pieza, tradicionalmente pianística, que se caracteriza por la continua improvisación. Esta forma musical se estructura normalmente en tres partes ABA (forma tripartita). Fue cultivado por autores como Schubert, Chopin y Fauré. Algunos impromptus conocidos son el nº1 y nº3 de Chopin.

Intermezzo: utilizado por vez primera por Schumann, en sus “Seis intermezzi op. 4”(1832). Presentan un desarrollo mayor que los impromptus, con una forma ternaria, siendo el episodio intermedio de carácter fuertemente contrastante. Brahms tiene unos “Intermezzos” maravillosos en su Op. 117.

Lied: (canciones o romanzas sin palabras, siendo lieder el plural en alemán. Es un término utilizado en la historia de la música para hacer referencia a una canción lírica breve cuya letra es un poema al que se ha puesto música y escrita para voz solista y acompañamiento, generalmente de piano. Esta forma se caracteriza por la brevedad, la renuncia al virtuosismo belcantístico, la estrecha relación con el poema y la fuerte influencia de la canción popular alemana. Se trata de una forma musical típica de los países germánicos y propia del Romanticismo.

Compositores como Beethoven, Schubert y Wolf compusieron lieder basados en genios de la poesía como Goethe y Heine. Este tipo de forma surgió en la época clásica, floreció durante el Romanticismo y evolucionó durante el siglo XX. (Podemos recordar los “Kindertotenlieder” de Mahler para voz y orquesta en 1901).

Mazurca (en polaco: Mazurek). Danza y forma musical hoy presente en la tradición rural. Una mazurca era originalmente un baile de salón de la corte real y la nobleza polaca, y se convirtió con el tiempo en una danza para la clase popular.

Escrita en compás ternario (3/4, 3/8), se caracteriza por sus acentos en los tiempos 2º y 3º, en contraste con el vals. Especialmente fue Frederic Chopin el principal precursor de esta estilizada forma musical en la música clásica y de concierto. Escribió 61 mazurcas, en las que claramente se establece su ritmo característico, que la diferencia de las otras formas musicales.

Nocturno: Este género existía desde el siglo XVIII, tanto en el dominio vocal como instrumental. En 1815, el pianista irlandés John Field usó el término para designar tres de sus breves composiciones para piano, de carácter melancólico y elegante, con giros melódicos propios de la romanza y de la música lírica italiana (influencia del bel canto, ornamentación típica de la coloratura). De hecho, dos de estas piezas, publicadas en Leipzig, habían sido editadas en 1812 con el título “Romanzas”. Estas piezas son antecedentes, tanto del género de las canciones sin palabras de Mendelssohn como de los nocturnos de Chopin. El lenguaje de Field es claramente pianístico: explora los sonidos que era posible crear con los nuevos pianos, particularmente el pedal de resonancia a través de nuevos tipos de figuraciones y acompañamientos que abandonan los derivados del bajo Alberti. En la década de los 20 el nocturno alcanzó una completa consistencia como género. Se mantuvo la idea de la imitación vocal, facilitada por el desarrollo del pedal de resonancia que permitía crear la “ilusión” del canto ligado en el piano y daba cohesión armónica a las figuraciones en arpegio del acompañamiento.

Polonesa: Es la danza nacional de Polonia. Es una forma musical consistente en un movimiento de marcha moderada y ritmo ternario (3/4), con característico comienzo en ritmo tético. Comienza con un golpe acentuado de corchea seguido de dos semicorcheas y otras cuatro corcheas. Algunas de las polonesas más destacables y famosas son las de Frédéric Chopin.

Durante el siglo XVIII se produjo la estilización de la polonesa. Fue entonces cuando la polonesa se entronca dentro de la suite. Las polonesas de Johann Sebastian Bach ofrecen los rasgos característicos del compás ternario, las frases sin anacrusas y un ritmo característico con la acentuación en el segundo tiempo.

Rapsodia: El término deriva del griego rhapsodos, recitante de poesía épica que declamaba sin acompañamiento instrumental. En el siglo XVIII, las rapsodias literarias fueron utilizadas como base para composiciones musicales de canciones para voz y piano intercaladas por piezas para piano solo. A partir de mediados del siglo XIX, este género se fijó en un tipo de pieza de carácter épico asociado al nacionalismo en la medida en que se basaba en temas musicales “tradicionales” (o asumidos como tales). El modelo fue creado por Franz Liszt. Se aproxima a la fantasía, solo que, mientras la rapsodia suele basarse en la yuxtaposición de dichos temas, aquélla acostumbra a adoptar la forma de tema con variaciones. Rapsodias famosas de este estilo son por ejemplo las húngaras de Liszt, las de Brahms…

Romanza o canción sin palabras: Una “canción sin palabras” es una pieza para piano al estilo de la canción lírica: la melodía se presenta en frases equilibradas sobre un acompañamiento que, generalmente, mantiene el mismo patrón a lo largo de la pieza. es el género muestra claramente los cruces entre el repertorio dedicado a este instrumento y la canción lírica. Mendelsshon compuso 44 piezas en este género.

El vals: Del galicismo valse, que a su vez procede del germanismo Walzer, (término proveniente del verbo alemán “wälzen” girar, rodar’) es un elegante baile a ritmo lento, originario del Tirol (Austria) se cree que aproximadamente en el siglo XII. La palabra vals nació en el siglo XVIII, cuando se introdujo en el ballet. El vals conquistó su rango de nobleza en Viena durante la primera mitad del XIX.

Chopin empezó a componer sus valses en 1824, a la edad de catorce años, y siguió componiéndolos hasta el año de su muerte en 1849.

Chopin.

Los valses de Frédéric Chopin son piezas de tempo mediano como los valses comunes de 3/4, pero son notoriamente diferentes a los valses vieneses, al ser interpretaciones para concierto y no para baile.

El vals más famoso de Chopin es el “Vals del minuto”, también los 16 de Brahms para piano a 4 manos.

Noveletas, momentos musicales, consolaciones.

Son obras intimistas que revelan los sentimientos más personales del compositor como si fueran hojas de un diario.

PARA ORQUESTA

La única gran forma para la orquesta creada en el Romanticismo, fue el Poema sinfónico, que pese a lo engañoso de su denominación, nada tiene que ver con un poema. Hoy podríamos decir que es como en el cine, crear música para una imagen o escena determinada.

Un poema sinfónico es una obra de origen extra musical, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente consta de un único movimiento interpretado sin interrupción.

El término fue aplicado por primera vez también por Franz Liszt, que escribió trece composiciones de este género, destacando entre ellos “Los Preludios”, “Mazeppa” o “Los Hugonotes”. La música descriptiva fue sin duda el mejor camino para transmitir obras literarias, ya fueran de carácter religioso, épico, heroico, fantástico… Pero será con el poema sinfónico donde ésta encuentre su más fuerte forma de expresión.

Franz Liszt.

Un poema sinfónico puede ser una obra en sí misma, o formar parte de un ciclo de poemas sinfónicos a modo de suite. Un ejemplo de esto es “Má vlast” (Mi patria) de Bedřich Smetana, formado por seis poemas sinfónicos, o la “Sinfonía fantástica” de Berlioz (en cinco movimientos), “Don Quijote” o “Así habló Zaratustra” de Richard Strauss, “Romeo e Giulieta” o “Manfred” de Las Formas Musicales Del Romanticismo.

La Sinfonía, es una forma Sonata en su formato orquestal, aunque existen sonatas para prácticamente todos los instrumentos y es un género sumamente rico y explorado, como el trío para violín-chelo-piano, el cuarteto de cuerdas y otras variantes que se comprenden dentro del ámbito de la música de cámara, que no es más que música concebida para pequeños espacios de los palacios de la nobleza o las residencias de la alta burguesía (quinteto con piano, trío con piano y un largo etcétera).

Como conclusión, con estos conocimientos podremos apreciar en la audición la importancia de la forma y el origen del contenido musical, que va más allá de un mero título accesorio y que nos puede dar mucha información sobre lo que vayamos a escuchar.

Abraham.

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